100 mejores juegos de la década (25-1)
Domingo 24 de Enero de 2010 por Redacción
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Mejores videojuegos de la década (100-76)
Mejores videojuegos de la década (75-51)
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Ponemos fin a nuestro repaso a los mejores y más influyentes juegos de la década. 10 años donde los avances tecnológicos han ido acompañando y frenando a partes iguales, géneros, fusiones, nuevos retos y mecánicas completamente originales.
Los videojuegos se han ido adaptando a múltiples plataformas (desde el ocaso de Nintendo 64 y Playstation, la prematura muerte de Dreamcast, toda la vida de Playstation 2 o el nacimiento de las consolas domésticas de Microsoft), la industria se ha ido adaptando a las diferentes tendencias (o las ha generado, como con Wii, Nintendo DS o PS2, auténticos fenómenos sociales), muchos géneros han crecido o encontrado su lugar (World of Warcraft y el furor Online) o marcando tendencia entre territorios (del dominio nipón durante la pasada generación al actual y dominante enfoque norteamericano).
La industria ha demostrado en este potentísimo comienzo de siglo que goza de un momento dulce pero que aún le queda mucho por demostrar, múltiples barreras que superar y muchos nuevos campos y sectores que abarcar. Un brindis, por una próxima década aún más prolífica y contundente.
25 - World of Wacraft (2005, PC): Blizzard no inventó los MMORPG, por supuesto. Antes de la WoW manía el género ya tenía una gran proyección, desde Dark Age of Camelot hasta Everquest, sin olvidar el revolucionario Ultima Online. Entonces ¿Cuáles han sido los factores de éxito para que la gente asocie los juegos de rol online masivos cono WoW? Precisamente Blizzard. Ninguna compañía había dedicado tanto mimo y extensión un juego de rol, de tal forma que el jugador cada 10 minutos recibe una recompensa positiva que le incita a seguir jugando de una forma adictiva, casi viciosa. Matar y explorar hasta nivel 20. Un poco más, hasta nivel 40. Cuando nos damos cuenta, llevamos 100 horas de juego. De repente, 200. Poco a poco, WoW me absorbe a mi, a mis amigos y a algún familiar: todos queremos jugar juntos. Así hasta convencer a más de 12 millones de jugadores a pagar religiosamente una cuota al mes para jugar. Casi casi sin darse cuenta, Blizzard se embolsa 100 millones de dólares mensuales. El negocio del siglo, sin lugar a dudas.
El segundo acto de MGS2 (donde conocimos, odiamos y después amamos a Raiden), así como ese desenlace en forma de redes de manipulación a gran escala, alucinaciones y giros argumentales disparatados, son el mejor reflejo de hasta donde puede llegar el juego de autor en su máximo apogeo comercial. 3 años después, Snake Eater aportó elegancia y complejidad, evolucionando notoriamente la experiencia jugable (especialmente, con la cámara libre de Subsistance), ambientado durante la guerra fría, dibujando en los seguidores una nueva imagen de Big Boss (conocer el pasado del villano lo transforma en héroe) y para muchos, los mejores diálogos y personajes de la franquicia.
Su banda sonora consigue un aura especial al permitirnos una interactuación superficial (donde cada nivel del juego se apoya sobre un género de la música vanguardista más representativa del 99-2001, Trance, Tech-House, Minimal, etc.), integrando la experiencia de juego y la audiovisual a lo más cercano que un videojuego (sin sustancias estupefacientes de por medio...) puede acercarnos a un estado sinestético. Un adelantado a su tiempo, 30 o 40 años a este paso.
También la revolución jugable que nos hacía prescindir (que no olvidar) de un ratón y un teclado para poder manejar un shooter por primera vez en una consola y además, un clásico indiscutible en su género. ?Combat Evolved puso un punto y seguido en cuanto a dimensiones y posibilidades en el combate: más allá de escenarios lineales y enemigos con inteligencias artificiales atrofiadas, la guerra de guerrillas de Bungie producía una sensación de combate de nuevas dimensiones.
Los hilos narrativos de esta aventura bélica de ciencia ficción recuerda en sus mejores momentos a películas como Aliens (1986, James Cameron), a la dualidad en las armas de Counter-Strike, aunque el factor diferencial de Halo es cómo combina cada elemento jugable en la estructura principal: tanto el francotirador, la escopeta o el rifle de asalto son armas potencialmente igual de necesarias, sólo depende de la situación en la que nos encontremos.
Casi 10 años, la saga ha ido remendando errores y ampliando su universo, pero el imborrable recuerdo del primer juego y su revolucionario paso por la industria nos hacen soñar con una nueva entrega que ofrezca al género un vuelco completo de este calibre.
Cuando la industria pretende avanzar de forma sórdida (y ruin) entre pésimas narrativas, soeces culebrones japoneses, infantiles mecánicas para mentes unidireccionales de manos torpes, donde la mecánica del ensayo/error ha muerto y los salvados automáticos o excesivas ayudas al jugador arruinan la experiencia de juego (ejercicio recreativo en el que se gana o se pierde), Treasure despiden el videojuego clásico con una tesis sobre la pureza.
Ikaruga es un shump vertical donde la pantalla sufre una invasión de proyectiles bi-colores, negros o blancos. Nuestra nave, que disfruta de la dualidad de cambiar de color, puede evitar el daño recibiendo los impactos en su color favorable, así pues los proyectiles blancos no nos harán ningún daño mientras estemos en la forma blanca y viceversa.
A partir de aquí, todo lo que puedas imaginar y más en una partida de 35 minutos: mecánicas perfectas, niveles con un diseño exquisito, un apartado visual que no escupe el buen gusto del jugador (incluidas referencias visuales al Zen sin tampoco resultar pedantes) y, cómo no, capas y capas de juego (cuando realmente creas que has aprendido a jugar, aún tendrás millones de chains que conseguir y una vida entera que perder delante de él). Ikaruga: alegato póstumo del videojuego clásico.
Los videojuegos como vehículo de emociones son complejos y aunque muy interesantes (es muy sencillo sacar nuestro miedo o furia a través de estímulos visuales) tocar las fibras sensibles que consigue este estudio y la poética forma en la que narra los acontecimientos, jugando con metáforas visuales, sentimientos de culpabilidad o perplejidad paisajística han conseguido que SoTC como vehículo emocional domine al jugador como ningún videojuego ha logrado jamás.
Por supuesto, tras esos parajes solitarios sacados de un cruce de ideas entre Moebius y Giorgio de Chirico, escenarios sepulcrales, vacíos y de gran misticismo, nos enfrentamos con colosales enemigos finales, donde nuestra única misión será detectar sus puntos débiles y conocer sus rutinas de defensa.
La recta final de Shadow of the Colossus es fria y truculenta. Su arrebatador desenlace deja en pañales a pusilánimes decisiones morales como las de Bioshock, dejando en el jugador una amarga sensación, casi desesperada. Tras el trago, lo único que tienes claro es que acabas de vivir algo irrepetible.
Un pasillo puede ser algo increíblemente vistoso y emocionante si Valve muestra el camino. Nada en Half-Life 2 es al azar, pero todo parece que orbita en torno a nuestras acciones y movimientos.
Como Gordon Freeman, asumimos el rol de jugador, silencioso, participativo y espectador, pero no director: G-Man, representa a la propia Valve, pone inicio y final a nuestra experiencia de juego en todo momento.
A su vez, Valve se desentiende de la tendencia audiovisual de la época (repleta de burdas técnicas artificiosas para crear buenas pantallas para la parte de detrás de los estuches) y crea un fotorrealismo idílico, donde la ficción tiende a la realidad y no al contrario: mezcla de ciudades centroeuropeas, amasijos ordenados de complejos industriales, paisajes de ultratumba y mucha subcultura pop disfrazada de forma elegante con pseudociencia, doctores chiflados y zombies, claro.
La apuesta jugable pese a no mover mucho el esquema del primer HL, ni proseguir con la reciente revolución de Halo, hizo hincapié en un sistema de físicas rompedor a partir de la omnipresente pistola gravitatoria, imitada hasta la saciedad, donde la gravedad se transformó en el auténtico protagonista de la acción.
Nunca una secuela en un videojuego había suscitado tantas esperanzas como Half-Life 2, pero mucho menos ningún estudio había dejado tan atrás nuestras expectativas: Valve una vez más ha creado algo tan perfecto que la industria necesitará otros 6 años para asimilarlo.
Cuando Valve puso las manos sobre el proyecto de Nuclear Monkey Software (y aprovechó también para absorber a todos estos genios por descubrir) adaptó la rompedora mecánica jugable de Narbacular Drop (basada en portales que nos mueven por el espacio) a un spin-off del universo Half-Life con su propio ritmo y leyes, un puzzle con formato de aventura donde nada es lo que parece.
Conceptualmente es fascinante, iconográficamente perfecto. La recta final de Portal hay que vivirla para creerla, un cúmulo de sensaciones donde lo único que sabemos con certeza es sólo podremos escapar con vida mediante nuestras acciones: Un paso más allá en cuanto a narrativa tras Half-Life 2 y un puzzle perfecto.
Portal reúne la experiencia de Valve (que a cada paso que realizan deberían levantar más envidias en el resto de compañías), junto a todos los pilares básicos en los que la mecánica de un videojuego debería apoyarse, consiguiendo salir airoso sin caer en clichés con una elegancia inusual.
Su desenlace te petrifica en el asiento, nunca nadie llegó, en cierto sentido, hasta donde Portal se ha atrevido. Imperecedero y perfecto, Portal es definitivamente, el mejor videojuego del siglo XXI.
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Ponemos fin a nuestro repaso a los mejores y más influyentes juegos de la década. 10 años donde los avances tecnológicos han ido acompañando y frenando a partes iguales, géneros, fusiones, nuevos retos y mecánicas completamente originales.
Los videojuegos se han ido adaptando a múltiples plataformas (desde el ocaso de Nintendo 64 y Playstation, la prematura muerte de Dreamcast, toda la vida de Playstation 2 o el nacimiento de las consolas domésticas de Microsoft), la industria se ha ido adaptando a las diferentes tendencias (o las ha generado, como con Wii, Nintendo DS o PS2, auténticos fenómenos sociales), muchos géneros han crecido o encontrado su lugar (World of Warcraft y el furor Online) o marcando tendencia entre territorios (del dominio nipón durante la pasada generación al actual y dominante enfoque norteamericano).
La industria ha demostrado en este potentísimo comienzo de siglo que goza de un momento dulce pero que aún le queda mucho por demostrar, múltiples barreras que superar y muchos nuevos campos y sectores que abarcar. Un brindis, por una próxima década aún más prolífica y contundente.
25 - World of Wacraft (2005, PC): Blizzard no inventó los MMORPG, por supuesto. Antes de la WoW manía el género ya tenía una gran proyección, desde Dark Age of Camelot hasta Everquest, sin olvidar el revolucionario Ultima Online. Entonces ¿Cuáles han sido los factores de éxito para que la gente asocie los juegos de rol online masivos cono WoW? Precisamente Blizzard. Ninguna compañía había dedicado tanto mimo y extensión un juego de rol, de tal forma que el jugador cada 10 minutos recibe una recompensa positiva que le incita a seguir jugando de una forma adictiva, casi viciosa. Matar y explorar hasta nivel 20. Un poco más, hasta nivel 40. Cuando nos damos cuenta, llevamos 100 horas de juego. De repente, 200. Poco a poco, WoW me absorbe a mi, a mis amigos y a algún familiar: todos queremos jugar juntos. Así hasta convencer a más de 12 millones de jugadores a pagar religiosamente una cuota al mes para jugar. Casi casi sin darse cuenta, Blizzard se embolsa 100 millones de dólares mensuales. El negocio del siglo, sin lugar a dudas.
El segundo acto de MGS2 (donde conocimos, odiamos y después amamos a Raiden), así como ese desenlace en forma de redes de manipulación a gran escala, alucinaciones y giros argumentales disparatados, son el mejor reflejo de hasta donde puede llegar el juego de autor en su máximo apogeo comercial. 3 años después, Snake Eater aportó elegancia y complejidad, evolucionando notoriamente la experiencia jugable (especialmente, con la cámara libre de Subsistance), ambientado durante la guerra fría, dibujando en los seguidores una nueva imagen de Big Boss (conocer el pasado del villano lo transforma en héroe) y para muchos, los mejores diálogos y personajes de la franquicia.
Su banda sonora consigue un aura especial al permitirnos una interactuación superficial (donde cada nivel del juego se apoya sobre un género de la música vanguardista más representativa del 99-2001, Trance, Tech-House, Minimal, etc.), integrando la experiencia de juego y la audiovisual a lo más cercano que un videojuego (sin sustancias estupefacientes de por medio...) puede acercarnos a un estado sinestético. Un adelantado a su tiempo, 30 o 40 años a este paso.
También la revolución jugable que nos hacía prescindir (que no olvidar) de un ratón y un teclado para poder manejar un shooter por primera vez en una consola y además, un clásico indiscutible en su género. ?Combat Evolved puso un punto y seguido en cuanto a dimensiones y posibilidades en el combate: más allá de escenarios lineales y enemigos con inteligencias artificiales atrofiadas, la guerra de guerrillas de Bungie producía una sensación de combate de nuevas dimensiones.
Los hilos narrativos de esta aventura bélica de ciencia ficción recuerda en sus mejores momentos a películas como Aliens (1986, James Cameron), a la dualidad en las armas de Counter-Strike, aunque el factor diferencial de Halo es cómo combina cada elemento jugable en la estructura principal: tanto el francotirador, la escopeta o el rifle de asalto son armas potencialmente igual de necesarias, sólo depende de la situación en la que nos encontremos.
Casi 10 años, la saga ha ido remendando errores y ampliando su universo, pero el imborrable recuerdo del primer juego y su revolucionario paso por la industria nos hacen soñar con una nueva entrega que ofrezca al género un vuelco completo de este calibre.
Cuando la industria pretende avanzar de forma sórdida (y ruin) entre pésimas narrativas, soeces culebrones japoneses, infantiles mecánicas para mentes unidireccionales de manos torpes, donde la mecánica del ensayo/error ha muerto y los salvados automáticos o excesivas ayudas al jugador arruinan la experiencia de juego (ejercicio recreativo en el que se gana o se pierde), Treasure despiden el videojuego clásico con una tesis sobre la pureza.
Ikaruga es un shump vertical donde la pantalla sufre una invasión de proyectiles bi-colores, negros o blancos. Nuestra nave, que disfruta de la dualidad de cambiar de color, puede evitar el daño recibiendo los impactos en su color favorable, así pues los proyectiles blancos no nos harán ningún daño mientras estemos en la forma blanca y viceversa.
A partir de aquí, todo lo que puedas imaginar y más en una partida de 35 minutos: mecánicas perfectas, niveles con un diseño exquisito, un apartado visual que no escupe el buen gusto del jugador (incluidas referencias visuales al Zen sin tampoco resultar pedantes) y, cómo no, capas y capas de juego (cuando realmente creas que has aprendido a jugar, aún tendrás millones de chains que conseguir y una vida entera que perder delante de él). Ikaruga: alegato póstumo del videojuego clásico.
Los videojuegos como vehículo de emociones son complejos y aunque muy interesantes (es muy sencillo sacar nuestro miedo o furia a través de estímulos visuales) tocar las fibras sensibles que consigue este estudio y la poética forma en la que narra los acontecimientos, jugando con metáforas visuales, sentimientos de culpabilidad o perplejidad paisajística han conseguido que SoTC como vehículo emocional domine al jugador como ningún videojuego ha logrado jamás.
Por supuesto, tras esos parajes solitarios sacados de un cruce de ideas entre Moebius y Giorgio de Chirico, escenarios sepulcrales, vacíos y de gran misticismo, nos enfrentamos con colosales enemigos finales, donde nuestra única misión será detectar sus puntos débiles y conocer sus rutinas de defensa.
La recta final de Shadow of the Colossus es fria y truculenta. Su arrebatador desenlace deja en pañales a pusilánimes decisiones morales como las de Bioshock, dejando en el jugador una amarga sensación, casi desesperada. Tras el trago, lo único que tienes claro es que acabas de vivir algo irrepetible.
Un pasillo puede ser algo increíblemente vistoso y emocionante si Valve muestra el camino. Nada en Half-Life 2 es al azar, pero todo parece que orbita en torno a nuestras acciones y movimientos.
Como Gordon Freeman, asumimos el rol de jugador, silencioso, participativo y espectador, pero no director: G-Man, representa a la propia Valve, pone inicio y final a nuestra experiencia de juego en todo momento.
A su vez, Valve se desentiende de la tendencia audiovisual de la época (repleta de burdas técnicas artificiosas para crear buenas pantallas para la parte de detrás de los estuches) y crea un fotorrealismo idílico, donde la ficción tiende a la realidad y no al contrario: mezcla de ciudades centroeuropeas, amasijos ordenados de complejos industriales, paisajes de ultratumba y mucha subcultura pop disfrazada de forma elegante con pseudociencia, doctores chiflados y zombies, claro.
La apuesta jugable pese a no mover mucho el esquema del primer HL, ni proseguir con la reciente revolución de Halo, hizo hincapié en un sistema de físicas rompedor a partir de la omnipresente pistola gravitatoria, imitada hasta la saciedad, donde la gravedad se transformó en el auténtico protagonista de la acción.
Nunca una secuela en un videojuego había suscitado tantas esperanzas como Half-Life 2, pero mucho menos ningún estudio había dejado tan atrás nuestras expectativas: Valve una vez más ha creado algo tan perfecto que la industria necesitará otros 6 años para asimilarlo.
Cuando Valve puso las manos sobre el proyecto de Nuclear Monkey Software (y aprovechó también para absorber a todos estos genios por descubrir) adaptó la rompedora mecánica jugable de Narbacular Drop (basada en portales que nos mueven por el espacio) a un spin-off del universo Half-Life con su propio ritmo y leyes, un puzzle con formato de aventura donde nada es lo que parece.
Conceptualmente es fascinante, iconográficamente perfecto. La recta final de Portal hay que vivirla para creerla, un cúmulo de sensaciones donde lo único que sabemos con certeza es sólo podremos escapar con vida mediante nuestras acciones: Un paso más allá en cuanto a narrativa tras Half-Life 2 y un puzzle perfecto.
Portal reúne la experiencia de Valve (que a cada paso que realizan deberían levantar más envidias en el resto de compañías), junto a todos los pilares básicos en los que la mecánica de un videojuego debería apoyarse, consiguiendo salir airoso sin caer en clichés con una elegancia inusual.
Su desenlace te petrifica en el asiento, nunca nadie llegó, en cierto sentido, hasta donde Portal se ha atrevido. Imperecedero y perfecto, Portal es definitivamente, el mejor videojuego del siglo XXI.
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