Los mejores videojuegos del año, según Julián Plaza

Si por algo me gustan las listas es porque suelen servir para extraer factores predominantes que, en un principio, eran inadvertidos. El año anterior, por ejemplo, aposté por los juegos largos; quizás es por eso que casi la mitad de mis diez elegidos de 2016 se terminan o se juegan en sesiones cortas. Además, también me sirven para ver qué género sigue fuerte, cuál vuelve y qué recordaremos de todo lo jugado.

 

He intentado ser justo. Algunos de los seleccionados están ahí porque son distintos, otros porque buscan ser algo casi opuesto trayendo de vuelta lo conocido y, en general, aparecen en mi selección porque considero que su pisada y repercusión son tan importantes como su calidad. A veces, incluso más. Al lío.

 

 

Una historia puede ser muy buena siendo cotidiana. Como en Gone Home, en Campo Santo apuestan por colocar las piezas y dejar que nosotros construyamos el puzle. No quiero hablar de más porque sería descubrir el pastel. Sí que puedo decir que en lo que verdaderamente triunfa Firewatch es en saber utilizar las elipsis sin que resulten un recurso prestado del cine, en convertir la soledad en una compañera y en crear conversaciones creíbles. Dos walkies, un misterio y mucho tiempo libre dan con una de las propuestas más cercanas y singulares que nos ha dejado la industria en mucho tiempo.

 

 

 

Jonathan Blow es una marca en sí mismo. Braid se cargó a la espalda gran parte del peso de la irrupción de la industria indie, por mérito propio, y si algo se esperaba después de la ópera prima del estadounidense seguro que no era The Witness. Una línea, la imaginación y una mente retorcida como creador del mundo por el que te mueves. Blow apuesta por tu capacidad deductiva y prescinde de cualquier interfaz porque verdaderamente no la necesitas, y es que The Witness es pura observación, la activación de tus cinco sentidos. Seguramente estamos ante uno de los casos en los que un videojuego merece ocupar un top diez de los mejores juegos del año sin que ello implique tener que terminártelo.

 

 

 

Por mucho que pese, la nostalgia siempre es un factor determinante entre todos nosotros. Lo es porque resulta imposible mirar con los mismos ojos a un reboot que a una nueva IP, especialmente cuando ese regreso supone también la puesta a prueba de un género que hace tiempo que no aparece. Insomniac ha dado con un videojuego honesto, fiel y sorprendentemente fresco atendiendo a su naturaleza. Ratchet & Clank es el salpicón de color que tuvimos con Splatoon que esta industria necesita como agua de mayo. Títulos como Yooka-Laylee o el regreso de Crash Bandicoot lo demuestran, pero el lombax y su amigo robótico han llegado antes y mejor que nunca.

 

 

 

Tuve que darle una segunda oportunidad a lo nuevo de Playdead. Su experiencia es de esas que pese a tener un fuerte componente contemplativo -o de observación, más bien- te obliga a estar permanentemente alerta. Supongo que me faltó lo segundo. Si consigues mantener la fluidez que te exige, INSIDE te traslada a una de las experiencias más opresivas y reflexivas de nuestro medio. Si algo no tiene es un discurso evidente, plano, y precisamente es de los que mejor saben manejar ese aspecto. Si Limbo te atrapó, este no te soltará.

 

 

 

Lo mejor de DOOM es que sigue siendo el de siempre sin dejar de innovar. En apariencia puede parecer otro remake oportunista en esta tendencia incesante de resucitar a los clásicos, pero este seguramente sea el caso más justificado. Porque quién mejor que uno de los que se encargó de sentar las bases del shooter para volver y decir que todavía pueden reinventarse. Con él decimos adiós a la regeneración progresiva de la salud, a parapetarnos y apuntar desde zonas estratégicas y a mantener las distancia con el enemigo. En el infierno se suda, está demostrado.

 

 

Si los videojuegos quieren simular una experiencia cinematográfica tienen un claro referente. Naughty Dog es una de las marcas más influyentes de nuestra industria por méritos propios y muchos motivos. En el presente, nos demuestra que la enésima presentación de un personaje que conocemos puede centrarse en deconstruirlo, llenarlo de dudas, que mire a su glorioso pasado con nosotros y que todo sea consecuente. Parecía que esta cuarta parte no tenía nada que contar y ha terminado resultando ser la que más lo hace.

 

 

 

Una secuela debe saber funcionar por sí sola y saber de dónde viene. Arkane Studios se está labrando un merecido lugar en el mapa con una segunda parte que expande las posibilidades de unas mecánicas ya de por sí profundas, condensándolo todo en unos escenarios diseñados de tal manera que demuestra que un mundo abierto no lo es por su extensión. Jugad con Emily, volved con Corvo, tanto da. La historia de los Attano ya forma parte del videojuego y, hablando de ella, la sección de la Mansión Mecánica debería estudiarse.

 

 

 

Tomar el testigo de los grandes clásicos manteniendo un lenguaje propio no es fácil. Para encontrar ejemplos que lo demuestren tenemos que hablar de Shovel Knight o Undertale, una familia de gigantes en miniatura que ahora recibe a un nuevo integrante llamado Hyper Light Drifter. El título de Heart Machine es Zelda, Dark Souls y Titan Souls sin dejar de ser él mismo. Nos cuenta mucho más hablando mucho menos y nos pone en la piel de un personaje que, si queremos, puede ser un maestro del combate y un fantasma intocable. Si esto no es suficiente, diré que la banda sonora es de Disasterpeace.

 

 

 

El rumbo de los FPS online parecía marcado hasta que Blizzard lo ha desmentido. Overwatch ha conseguido que me interese por un género por el que no me dejaba pasar desde Counter Strike: Source. Lo ha hecho tan bien como con Hearthstone. Su propuesta es accesible, visualmente atractiva, permite sesiones cortas y suele recompensarte únicamente por jugar. Cuando te has dado cuenta ya has caído en la trampa, exploras sus capas, te informas sobre su universo y estás pendiente de sus actualizaciones. Ha construido una comunidad tremenda con poco más de medio año, lo curioso es que esto parece el principio.

 

 

Decir que echo de menos a Trico desde que terminé el juego demuestra bastante. En la escalada imparable de nuestro medio hacia la consecución de la primera inteligencia artificial que nos cueste identificar como tal hemos plantado una nueva bandera: The Last Guardian. Fumito Ueda nos vuelve a decir mucho mediante una aventura que podría presentarse como un cuento infantil y nos deja experimentar para caer en la cuenta de que sí, que Trico está vivo. Todos sus defectos quedan ensombrecidos únicamente con uno de los muchos momentos inolvidables que deja esta historia a su paso. Cada año de espera ha merecido la pena.

 

 

Ver también:

-GOTY 2016 según Adrián Suárez
-GOTY 2016 según Álex Pareja
-GOTY 2016 según Diego Emegé
-GOTY 2016 según Rafa del Río
-GOTY 2016 según Víctor Junquera 

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